Tras experimentar una caída financiera en 2020 debido a la pandemia Covid-19, el mercado mundial de la música electrónica parece estar disfrutando de una reactivación tras el regreso de las actuaciones en directo. En 2021, el valor de la industria superará los 6.000 millones de dólares y, especialmente, los artistas de EDM estarán en la lista de los promotores más demandados. Esta guía apostará por la historia de la música electrónica, sus cualidades específicas y los artistas más considerables de entre las categorías musicales más amplias que existen.
Atributos de la música electrónica
La música electrónica puede identificarse como una categoría de música desarrollada y producida mediante la utilización de instrumentos musicales electrónicos y electromecánicos, diferentes instrumentos digitales o la denominada innovación musical basada en circuitos. Los instrumentos musicales electrónicos consisten en un oscilador electrónico, un theremin o un sintetizador, mientras que los equipos electromecánicos abarcan el órgano Hammond, el piano electrónico o la guitarra electrónica.
En términos generales, la música electrónica puede elaborarse a partir de una amplísima variedad de recursos sonoros, desde osciladores electrónicos fundamentales hasta complejas y variadas configuraciones informáticas y aplicaciones de software, pasando por microprocesadores. Estos ruidos se graban y editan en cinta y luego se transforman en un tipo permanente que se reproduce utilizando altavoces, solos o mezclados con instrumentos musicales comunes.
Finales del siglo XIX y principios del XX
Aunque algunos afirman que el primer instrumento de música eléctrica, el Golden Dionysis, se creó potencialmente en 1748, marcando el nacimiento de la música electrónica, lo más probable es que el género surgiera, en un sentido más amplio, a finales del siglo XIX y principios del XX. En aquella época, la emergente electrónica permitió experimentar con ruidos y, en consecuencia, también con dispositivos electrónicos. Como resultado, se desarrollaron diversos instrumentos electrónicos, como el Telharmonium (un órgano eléctrico desarrollado en 1896), y más tarde, en las décadas de 1920 y 1930, el órgano Hammond (un órgano electrónico), el ondes Martenot (un temprano artilugio electrónico que se tocaba con teclados o con un anillo a lo largo de un cable), el trautonium (un temprano sintetizador electrónico) o el theremin (un invento electrónico creado en 1930).
Estas primeras innovaciones se utilizaron en un principio para demostraciones y eficiencias públicas, ya que en muchos casos resultaban demasiado complejas, imprudentes e incapaces de crear un sonido de cierta magnitud y profundidad. Más tarde, con la creación de los tubos de vacío, se pudieron desarrollar instrumentos de menor tamaño, mejorados y más útiles que, poco a poco, fueron apareciendo en estructuras de nueva composición.
Un punto de inflexión para la industria musical en general fue la invención del fonógrafo (más tarde denominado gramófono) por, de forma independiente, Thomas Alva Edison y Emile Berliner alrededor de la década de 1870/1880. Los fonógrafos fueron la primera forma de grabar y recrear archivos de audio (los ruidos podían capturarse y conservarse para su uso futuro) y marcaron el inicio de la industria discográfica que entendemos hoy.
En la década de 1930 siguieron más pruebas de tocadiscos e innovaciones que dieron lugar al avance del ajuste de la velocidad del sonido y a la innovación del sonido sobre película, así como a la producción de collages sonoros y sonido gráfico. Estas tecnologías se utilizaron en la composición de las primeras bandas sonoras de películas, sobre todo en Alemania y Rusia. En 1935 se creó la primera cinta de audio útil, lo que supuso un punto vital en el avance histórico de la música electrónica.
Los magnetófonos en los años 40 y 50
Aunque se inventaron a mediados de la década de 1930, era necesario realizar más avances y mejoras en la innovación de la grabación en cinta. Las primeras grabaciones de prueba realizadas en estéreo se establecieron en 1942 en Alemania, pero se llevaron a EE.UU. justo después de la Segunda Guerra Mundial y el primer magnetófono para uso comercial se fabricó en 1948. Los compositores utilizaron este nuevo instrumento para seguir experimentando con la música a lo largo de la década de 1950. En aquella época, la atención se centró en el avance de la técnica y los diseños musicales, con un fuerte impacto en los diseños y la música de vanguardia. Después de que artistas y creadores se familiarizaran más o menos con el magnetófono, muchas estructuras tradicionalmente esenciales cobraron vida, a lo que siguió la utilización del medio en actuaciones en directo.
Avance de los estudios electrónicos
Música concreta
Después de que los magnetófonos obtuvieran su reconocimiento, así como respaldo financiero, en Europa, se desarrollaron los primeros estudios de música electrónica bien establecidos, principalmente en instalaciones de radiodifusión de propiedad y apoyo gubernamentales. Hubo que esperar hasta 1958 para que los innovadores estadounidenses se pusieran a la altura de sus colegas europeos en cuanto a estudios e innovaciones musicales adicionales, tanto técnicas como artísticas.
En 1948, dos compositores franceses, Pierre Schaeffer y Pierre Henry, desarrollaron en París (Francia) la musique concrète, una práctica y un tipo de composición musical distintos, en el Studio d’Essai de Radiodiffusion Française (RDF). El método de la Musique concrète consistía en producir collages o montajes de ruidos grabados en cinta. Todos estos ruidos -por ejemplo, efectos sonoros, piezas musicales, voces y otros ruidos o sonidos producidos por un individuo y su entorno- se consideraban productos brutos “concretos” extraídos de métodos y circunstancias “concretos”. Por este motivo, la música concrète se oponía al uso de osciladores, ya que se consideraban “artificiales”, “antihumanistas” y, por tanto, no fuentes sonoras “concretas”.
Más que un estilo o un movimiento musical, la musique concrète podría considerarse un conjunto de diferentes formas de modificar el ruido y producir música, utilizando métodos y ajustes de cinta como la modificación y variación de la velocidad (también llamada pitch shifting), el empalme de cintas, la reproducción de cintas al revés o los bucles de realimentación de señal. La primera gran composición de musique concrète fue Symphonie put un homme seul (Sinfonía para un solo hombre), compuesta en 1950 por Schaffer y Henry. La otra obra significativa del movimiento fue la calificación del ballet de Henry, Orphée, de 1953.
Música electrónica
Karlheinz Stockhausen, que trabajó rápidamente en el estudio de Schaeffer en 1952, tenía un concepto variado de las formas en que los sonidos y la música podían transformarse y modificarse, y por ello se unió al Estudio de Música Electrónica de la WDR de Colonia creado por Herbert Einer. En lugar de sonidos “concretos”, Stockhausen hizo hincapié en los sonidos puros, producidos electrónicamente, y su atención se centró en los ajustes de ruido electrónico en lugar del ajuste de cintas. Lo que quería conseguir, a través de cambios en el sonido, como el filtrado y la modulación, era auténticas estructuras eléctricas más acústicas, indicando instrumentaciones acústicas modificadas y acompañadas de ruidos modificados, producidos electrónicamente.
Esto marcó el nacimiento de la Elektronische Musik, una rama alemana de la música electrónica que, más que la musique concrète, hacía hincapié en la grandeza y “pureza” de los ruidos electrónicos y en la necesidad de integrar la música electrónica con una composición serial que utilizara ritmos, grupos de tonos comprados y otros aspectos musicales.
Tanto el Studio d’Essai como el Studio de Colonia sirvieron de ejemplo para los estudios de música electrónica de la época, por lo que fueron ampliamente imitados en toda Europa. Este patrón continuó a lo largo de la década de 1960, con la creación de muchos más estudios en los principales centros urbanos de Europa, antes de llegar a la cultura de Estados Unidos.
Escenario estadounidense de la música electrónica
El nacimiento de la música electrónica en Estados Unidos comenzó más que probablemente en 1939, cuando un artista, John Cage, lanzó su estructura, Imaginary Landscape, No. 1, utilizando diferentes medios y fuentes de sonido, como dos giradiscos de velocidad variable, grabaciones de frecuencia, piano apagado y platillo. Para la estructura no se utilizaron medios de producción electrónicos. Normalmente, sin embargo, la producción de música electrónica en EE.UU. era más bien escueta y esporádica, y esto duró hasta alrededor de 1958.
Lo único sustancial que quedaba de música electrónica en el país eran dos trabajos realizados por Cage y dos autores de la Universidad de Columbia, Otto Luening y Vladimir Ussachevsky. Entre 1942 y 1958, Cage terminó Williams Mix (1952) y Fontana Mix (1958) y compuso otros 5 Imagery Landscapes, escritos principalmente para discos de prueba de la RCA y conjuntos de percusión. Asimismo, formó The Music for Magnetic Tape Project junto con otros compositores y miembros de la Escuela de Nueva York, como Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton Feldman. El objetivo del trabajo era explorar la grabación de ruidos tanto electrónicos como naturales e integrarlos con la música crítica, la danza y las artes visuales.
El objetivo de la tarea dirigida por Luening y Ussachevsky era desarrollar un estudio de cinta profesional que mostrara las capacidades y posibilidades musicales de la cinta como medio. Junto con Milton Babbitt, los 2 compositores crearon el Columbia-Princeton Electronic Music Center (hoy entendido como Computer Music Center o CMC) en 1959, que se ha convertido en el centro de investigación de música electrónica y sistemas informáticos más antiguo de Estados Unidos. Después de 1958, se establecieron más estudios por toda la zona de Norteamérica, entre ellos el Experimental Music Studio de la Universidad de Illinois y el estudio de la Universidad de Toronto en 1959. El establecimiento de estas instalaciones proporcionó vías para que tanto la producción como la educación en música electrónica se desarrollaran y avanzaran.
Los equipos de los estudios de música electrónica también se desarrollaban y modificaban, y consistían en numerosas fuentes de sonido (ondas senoidales, ondas cuadradas, micrófonos, etc.), pantallas y dispositivos de control de calidad (analizador de espectro, osciloscopio, amplificadores de potencia), sistemas de grabación y reproducción, circuitos de enrutamiento y mucho más. Con estos equipos de estudio, los artistas y autores tenían la posibilidad de grabar ruidos, tanto electrónicos como microfónicos, y realizar operaciones como la modulación, la reverberación y el filtrado, para modificar estos sonidos.
El impacto de los instrumentos japoneses
A lo largo de la década de 1950, los instrumentos musicales electrónicos japoneses empezaron a tener un fuerte impacto en la industria musical mundial. Diferentes productores japoneses, como AceTone, Korg, Matsushita, Roland y Yamaha, desarrollaban sus propias variantes de artilugios musicales electrónicos. Entre ellos se encontraban instrumentos de percusión, los Mini Pops (los primeros dispositivos de percusión), órganos eléctricos (por ejemplo, Yamaha Electone) o sintetizadores.
En particular, los sintetizadores y las cajas de ritmos creados por Roland Corporation ejercieron una gran influencia durante los años siguientes y la propia empresa fue uno de los actores más destacados en la creación y transformación de la música popular y la música electrónica en lo que es hoy. Otro papel esencial en el avance de la música electrónica lo desempeñó la empresa Matsushita (ahora Panasonic), que creó y desarrolló los primeros tocadiscos de accionamiento directo, lo que dio lugar al establecimiento del turntablism, el arte de manipular y formar sonidos y desarrollar nueva música, resultados sonoros, mezclas y otros ritmos. La versión posterior de los giradiscos de Matsushita (Technics SL-1200) fue comúnmente establecida por artistas de Hip Hop y fue uno de los giradiscos más populares en la cultura DJ. Además, los primeros sintetizadores totalmente digitales fueron lanzados por la empresa Yamaha en 1983.
De finales de los 60 a principios de los 80
A finales de la década de 1960 se produjo el auge de la música electrónica popular y su fusión con otras categorías musicales, especialmente el pop y el rock, lo que dio lugar a la creación de géneros completamente nuevos. Destacados artistas de la época, como los Beatles o los Beach Boys, empezaron a incorporar instrumentos electrónicos, como el theremin o el Mellotron, a su sonido. Categorías como el rock electrónico y la electrónica fueron impulsadas por el dúo estadounidense Silver Apples y bandas de rock experimental, como White Noise y United States of America, conocidas por añadir osciladores y sintetizadores a su sonido psicodélico. En la década de 1970, el rock electrónico también fue producido por varios músicos japoneses, como Isao Tomita u Osamu Kitajima.
Los sintetizadores Mood acabaron siendo especialmente populares entre las bandas de rock progresivo, como Pink Floyd, Genesis, Yes y Emerson. Todo un nuevo subgénero del rock progresivo, el krautrock (también entendido como kosmische Musik) nació en Alemania Occidental a finales de los 60 y principios de los 70, representado por destacados artistas como Tangerine Dream, Can, Faust y, sobre todo, Kraftwerk.
La música new-age y la música ambiental, en particular el ambient dub, se establecieron a principios y mediados de la década de 1970 por efecto del auge de la música artística electrónica. La música new-age estuvo fuertemente influenciada por varios artistas, principalmente nacidos en Europa, como el autor francés Jean Michel Jarre, el músico alemán Klaus Schulze o el cantautor griego Vangelis. El ambient dub fue impulsado por varios músicos de noise jamaicanos como King Tubby, y más tarde abrazado por otros artistas globales, como Dreadzone, the Orb u Ott.
Después de que la música disco se hiciera muy popular (durante un periodo bastante breve) en los años 70, a finales de esa década y principios de los 80 se introdujo el synth-pop, con el sintetizador como instrumento musical dominante. Artistas como Ultravox, con el tema “Hiroshima Mon Amour” (1977), Depeche Mode, con un tema llamado “Dreaming of Me” (1980), y New Order, con su tema “Ceremony” (1981 ), debutaron en este subgénero y ejercieron una gran influencia sobre él. Otros grupos esenciales fueron Eurythmics, Duran Duran, Yazoo o Spandau Ballet.
Más tarde, el synth-pop se hizo muy famoso en todo el mundo, aportando nuevos y atractivos artistas, como Lime y Men Without Hats de Canadá; Propaganda, Sandra y Modern Talking de Alemania o Yello de Suiza y Telex de Bélgica. El ruido del synth-pop también se convirtió en el rasgo definitorio del Italo-disco. Los sintetizadores de teclado acabaron imponiéndose hasta tal punto que incluso los grupos de rock heavy metal los incorporaban a su música. Bandas como Van Halen, con su tema “Jump” (1983), y Europe, con la conocida melodía “The Final Countdown” (1986), lograron un fantástico éxito mundial.
Además, en la década de 1980 fue fundamental la invención de la Interfaz Digital para Instrumentos Musicales (MIDI), una norma técnica que describe y estandariza un procedimiento de interacción, la interfaz digital y los puertos eléctricos entre distintos instrumentos musicales electrónicos, aplicaciones informáticas y otros artilugios de audio asociados para grabar, modificar y reproducir música. MIDI se completó en 1983 y la tecnología facilitó enormemente el avance del sonido simplemente electrónico.
Finales de los 80 a los 90
El gran éxito del synth-pop continuó durante toda la década de 1980, acercándose cada vez más a la música de baile, y los grupos más populares fueron Pet Shop Boys, Erasure y The Communards. Sin embargo, la década de 1980 se caracterizó principalmente por el avance y el creciente atractivo de la música electrónica de baile (EDM) y, poco a poco, de sus subgéneros, como el home, el techno, el acid home, el trance hipnótico y muchos más.
A finales de la década de 1980, la EDM adquirió credibilidad como “música de drogas” y el género, que hoy en día se utiliza como término paraguas para otros subgéneros, se instaló en clubes, además de en muchos locales clandestinos, gimnasios, campos o almacenes, por toda Europa. En 1987, un DJ británico, Danny Ramplimg, empezó a organizar una fiesta semanal, llamada Shoom, en uno de los gimnasios de Londres y pronto este tipo de celebraciones, que solían tener lugar de forma ilegal, se extendieron a otros países europeos, sobre todo a Alemania. Allí, en la ciudad de Fráncfort, nació otro importante subgénero, el trance hipnótico.
A finales de la década de 1990, la escena “rave” se asemejaba al método actual y el desarrollo progresivo de la EDM y sus subgéneros, permitió que el diseño musical progresara y, en última instancia, acabara siendo una parte crucial de la industria musical dominante como nunca lo había sido en el pasado. Del mismo modo, la electrónica, término que engloba los géneros electrónicos pensados para escuchar y no estrictamente para bailar, se popularizó en la escena musical británica. Los artistas más destacados de estas subculturas fueron, por ejemplo, Astralwerks, The Chemical Brothers, Fatboy Slim, DJ Keoki o Sims.
La música electrónica en las décadas de 2000 y 2010 y en la actualidad
El género de la música electrónica en las décadas de 2000 y 2010 estuvo fuertemente marcado por los avances tecnológicos y el desarrollo y la mayor facilidad de acceso a la innovación de los sistemas informáticos y las aplicaciones de software musical. No sólo se presentaron muchas innovaciones tecnológicas en el nuevo milenio, como los CD o los DVD (que cambiaron a los discos de vinilo), sino que también aparecieron en el mercado otros productos relevantes, como la estación de trabajo de audio digital (DAW) Ableton Live (2001) o la emulación de estudio Reason (2000 ). En realidad, estos dispositivos han proporcionado opciones menos intrincadas, más rentables y viables a los estudios de producción tradicionales basados en hardware y, por lo tanto, se ha hecho posible producir música de alta calidad con poco más que un ordenador portátil. Especialmente Ableton Live, considerada una de las primeras aplicaciones musicales que permite adaptar instantáneamente el ritmo de una canción, ha sido muy utilizada por los DJ para espectáculos y otras actuaciones en directo, así como para componer, grabar y masterizar un disco.
La popularidad de la música electrónica y sus subgéneros no dejó de crecer durante la primera década del siglo XXI. Músicos y fabricantes como David Guetta, Daft Punk, Tiësto o Skrillex fueron aclamados en todo el mundo y a finales de la década de 2000 todos los DJ de renombre actuaban regularmente en los mayores escenarios tanto de Estados Unidos (principalmente Los Ángeles) como de Europa. Además, las décadas de 2000 y 2010 también experimentaron el auge de celebraciones y fiestas comerciales a gran escala, como Tomorrowland en Bélgica, el Weekend Festival en Estonia, Ultra Music Festival en Florida o Electric Daisy Carnival en Las Vegas.
Desde hoy, especialmente en 2022, el mercado de la música electrónica parece volver a estar en auge, incluso después de sufrir una gran pérdida financiera en 2020. El valor del mercado ha crecido realmente en un total de 16 naciones, liderado por las ganancias de cuota de mercado sobre todo en el Reino Unido y Alemania. Además, la música electrónica grabada creció hasta un 18%, con un aumento de las ventas en formato físico por primera vez en 20 años, y los ingresos de artistas y DJ aumentaron un 111%.
Subgéneros de la música electrónica
Como ya hemos dicho, la música electrónica es una de las categorías musicales más amplias que existen y puede utilizarse como término paraguas para más de 300 subgéneros. A continuación se enumeran algunos de los subgéneros más destacados de la música electrónica.
